À medida que avançamos para o clímax da temporada do Oscar, as acusações contra Hamnet parecem apenas se intensificar. Os detratores chamaram a adaptação de Chloé Zhao do romance de 2020 de Maggie O’Farrell de “ficção de fãs de Shakespeare”, condenando tudo, desde a imposição de papéis conjugais modernos na Inglaterra do século 16 até a concepção de cartazes para Paul Mescal como um belo Shakespeare.
Cada uma dessas reclamações tem mérito. Qualquer espectador que se sinta distraído por imprecisões históricas deve levar isso em consideração ao discutir a recepção do filme. No entanto, há muitos outros espectadores que não vêm Hamnet procurando uma representação precisa do passado. Em vez disso, eles gostam do filme pela maneira como ele os faz sentir, pelo imediatismo e pela profundidade da emoção exibida. A esse respeito, Hamnet tem melhor sucesso do que qualquer outro filme na memória recente.
O Bardo, Mal
Hamnet irrita imediatamente os críticos da história, abrindo com um cartão de título que parece afirmar o óbvio. “Hamnet e Hamlet são de facto o mesmo nome, intercambiáveis nos registos de Stratford no final do século XVI e início do século XVII”, declara, citando o artigo de 2004 “The Death of Hamnet and the Making of Hamlet”, mas não, estranhamente, o seu autor Stephen Greenblatt.
Mesmo aqueles que não leram Greenblatt ou qualquer outra obra de nova crítica literária historicista provavelmente poderiam adivinhar que Hamnet e Hamlet têm praticamente o mesmo nome. E eles poderiam ter adivinhado que a morte do jovem Hamnet afetou a criação de Aldeia tanto quanto a política dinamarquesa, a de Thomas Kyd A tragédia espanholaou qualquer outra coisa que influenciou Shakespeare.
Em vez de atuar como uma declaração de propósito, porém, o cartão de título funciona como um pára-raios. Reúne todas as expectativas de precisão histórica que seus espectadores possam ter e as dissolve afirmando o óbvio. Isso tira essas expectativas do caminho, para que Zhao – que co-escreveu o roteiro com O’Farrell – possa passar para a purificação catártica que ela realmente deseja fazer.
Grandes explosões de sentimentos começam imediatamente depois. Há Will atirando em seu pai (David Wilmot) por não levar a sério a fabricação de luvas, seguido por ele gritando com sua mãe (Emily Watson) por causa de seu relacionamento com Agnes. Há o namoro de Agnes e William, que consiste em um rápido flerte seguido de uma recontagem do mito de Orfeu, levando a um encontro pagão na floresta. Há a primeira discussão do casal, um típico colapso artístico e Will grita sobre sua incapacidade de terminar a peça. E tudo isso nos primeiros vinte minutos.
As cenas não passavam de personagens gritando sobre suas paixões, então Hamnet não receberia as críticas dirigidas contra ela porque não teria sucesso suficiente para merecer muita atenção. Mas o filme repercute nos espectadores, e não apenas porque eles são facilmente manipulados. Em vez disso, eles são afetados pela maneira única como Zhao apresenta os grandes momentos emocionais do filme.
Cena Artificial, Catarse Real
A cena de destaque em Hamnet ocorre nos dez minutos finais, quando Agnes assiste a uma apresentação de Aldeia. A essa altura do filme, Hamnet (Jacobi Jupe) morreu, em uma sequência surreal que o mostra aparentemente trocando sua vida pela de sua irmã gêmea Judith (Olivia Lynes). A morte deixa Anges cheio de culpa, mas Will passa o tempo em Londres, trabalhando em suas peças e aparentemente se recusando a reconhecer sua esposa ou o que aconteceu com seu filho.
Ao saber que Will está montando uma peça com o nome de Hamnet, Agnes viaja para Londres e abre caminho até a frente do palco do Globe, onde observa o desenrolar da peça. A princípio, Agnes se recusa a se envolver na peça, fazendo em voz alta perguntas óbvias a seu irmão Bartholomew (Joe Alwyn) perguntas óbvias sobre a encenação e não prestando atenção ao silêncio irritado das pessoas ao seu redor. Mas assim que o ator que interpreta Hamlet (Noah Jupe, irmão mais velho de Jacobi) sobe ao palco, Agnes fica paralisada.
Ela assiste a história sobre a morte, sobre a loucura na indecisão, sobre um pai que deixa a vida após a morte para falar com seu filho, sobre a tragédia que termina com tantos cadáveres, e ela interpreta tudo como Will finalmente reconhecendo a dor que ele não conseguia falar diretamente. E através de sua arte, ele permite que ela encontre significado e paz, ajudando-a a entender uma perda sem sentido.
É claro que os milhares de ensaios escritos sobre Aldeia demonstrar que existem muitas, muitas outras maneiras de ler a tragédia. Mas esse não é o objetivo da cena. Em vez disso, Zhao se concentra nas experiências específicas de Agnes, mostrando como seus sentimentos prevalecem sobre tudo: as palavras, os atores e até mesmo os outros espectadores. O diretor de fotografia Łukasz Żal filma a cena com as mãos, quase inteiramente em close no rosto de Buckley, parando ocasionalmente para nos deixar ver o que ela está assistindo. Zhao e o designer de som Maximilian Behrens dão igual atenção a quase tudo na mixagem, fazendo com que o arrastar de pés e o silêncio do público sejam tão altos quanto qualquer coisa falada pelos atores. A pontuação de Max Richter permanece em silêncio até a peça se aproximar do fim, entrando como um estrondo baixo enquanto Hamlet luta contra Laertes.
Essa abordagem muda no momento em que Hamlet sucumbe ao veneno e aos ferimentos e cai no palco, bem na frente de Agnes. Depois de gritar: “Eu morro!” Agnes estende a mão para a área do palco e agarra a mão do ator, que o ator aceita e segura. Nesse ponto, a música fica mais alta, com a partitura de Richter tornando-se rica e suntuosa, abafando quase todos os outros sons. O público segue o exemplo de Agnes e todos estendem a mão para o menino também, uma imagem que Zhao captura com uma foto aérea.
Nada naquele momento é sutil, real ou historicamente preciso. É tudo artifício, minimizando as exigências da realidade para celebrar o poder do falso e do fingimento. Com a mudança, surge um convite para que o público que assiste ao filme se junte a Agnes e se deixe chorar, mesmo porque o filme exige que choremos. E se acreditarmos nos relatórios dos cinemas de todo o país, os telespectadores atenderam a essa demanda.
Por chorar alto
Hamnet tem um objetivo. Existe para fazer o público chorar, e cada linha, performance, imagem e som funcionam para esse fim. Para alguns críticos, esta busca obstinada de uma resposta específica é ainda pior do que o seu desrespeito pela exactidão histórica, como se fazer as pessoas chorarem fosse inútil.
Para alguns, certamente é. Eles vêm para a arte em busca de alguma outra forma de experiência, e isso é certamente válido. Mas Hamnet está convencido de que a arte tem a capacidade de criar catarse, de levar o público além das palavras, de ajudá-lo a dar sentido às emoções que escapam à expressão em todas as outras formas. Além disso, Hamnet insiste que a capacidade da arte de nos fazer chorar é importante.
Alguns discordarão dessa afirmação, assim como rejeitam Hamnet como um filme. E tudo bem, nem todo filme funciona para todas as pessoas. Mas as reações poderosas Hamnet demonstrar que muitos outros discordam, provando que a capacidade do filme de levar os espectadores às lágrimas não é uma desvantagem; em vez disso, é uma prova da afirmação do filme de que sentimentos fortes são importantes.
Hamnet agora está transmitindo no Peacock.
